CREADORA y
ARTISTA
Puedo definir mi trabajo como creador teatral dentro del ámbito del teatro físico comprometido con la justicia social.
Estoy comprometido, tanto a nivel social como personal, con todas aquellas cuestiones relacionadas con los derechos humanos y la salud mental, utilizando el teatro como herramienta de transformación social y personal.
Siento un respeto absoluto por cualquier ser humano, independientemente de quién sea la persona que tenga a mi lado. Todos tenemos una razón para estar aquí y nos necesitamos unos a otros, por muy diferentes que seamos, porque nuestras diferencias son nuestra fortaleza. De lo contrario, surge el conflicto, y este es el principio del fin del amor.
Estoy comprometido personal, profesional y pedagógicamente con el respeto, en todos los niveles, hacia todas las personas y hacia todo aquello que nos rodea.
Pongo especial énfasis en el uso del teatro como herramienta para jóvenes en situación de vulnerabilidad, en riesgo de exclusión social o que atraviesan situaciones de crisis. Entiendo el teatro como un medio de expresión interior y desarrollo personal que permite fortalecer la asertividad, favorecer la integración social y estimular el desarrollo cognitivo y afectivo, promoviendo el bienestar juvenil, la resiliencia y las conductas positivas.
Entre mis principales líneas de investigación destacan la deshumanización, los trastornos de salud mental y los pensamientos suicidas, y las mujeres en contextos de guerra.
Los pilares fundamentales de mi trabajo parten del movimiento y de su interconexión con la voz, la comedia física, el teatro clásico y la poesía.
Actualmente, exploro el movimiento como un arte psicofísico a través de las prácticas y metodologías de referentes como Grotowski, Michael Chéjov, Laban, Philip Zarrilli y Eugenio Barba, así como de otras disciplinas artísticas y corporales, entre ellas el Kalaripayattu, las máscaras balinesas, la danza contemporánea y las acrobacias aéreas.
El uso expresivo del movimiento constituye mi principal lenguaje escénico, pero también funciona como herramienta para la composición de personajes. La comedia está presente a través de la creación de personajes, la acción y la narración. A su vez, la construcción dramatúrgica se enriquece y se abre a la incorporación de otras técnicas, como las máscaras, los títeres, el teatro de sombras, la animación de objetos y los títeres corporales.
Como pedagogo y actor, investigo, practico y experimento con el objetivo de alcanzar una comprensión profunda de las técnicas de composición de personajes y de la encarnación del texto a través del movimiento. Para ello, utilizo una combinación multidisciplinar de perspectivas y metodologías que he denominado «Movement in Text» (El movimiento en el texto).
Paralelamente, trabajo en la conexión entre la arquitectura, la salud mental, la voz y el movimiento, tanto en mi práctica teatral como en mi labor pedagógica e interpretativa.
Me interesa especialmente la relación entre el movimiento, su arquitectura desde una perspectiva anatómica y las dimensiones psicológicas y conductuales, tanto internas como externas, del ser humano. Investigo cómo estas conexiones pueden conducirnos hacia el inconsciente a través del uso de la voz y del cuerpo.
Como amante del teatro infantil, los cuentos, el circo y la comedia física, actualmente ensayo un espectáculo circense unipersonal dirigido al público infantil, en el que combino la comedia física y las telas aéreas a partir de un cuento tradicional.
Después de años viviendo en el extranjero, comencé a respirar de nuevo las aguas del Mediterráneo. De esta experiencia nace también la escritura de un espectáculo de teatro musical con el que deseo acercar al público la poesía y la esencia mediterránea.
Por último, gracias a una querida directora que ya no está entre nosotros, y en homenaje a su memoria y a la confianza que depositó en mí, comenzaré a desarrollar a principios de 2023 un espectáculo unipersonal sobre Quevedo.
En mi trabajo recurro a diferentes recursos escénicos y exploro el carácter multidisciplinar de las artes con el propósito de amplificar la experiencia sensorial del público y alcanzar un mayor nivel de empatía hacia los personajes, la historia y los temas que se abordan.
Porque es a través de la empatía como comenzamos a comprender, y es a través de la comprensión como empieza a producirse el cambio.
THE TEACHER
El Profesor es un trabajo que nació de la exploración y la interacción entre el movimiento, el cuerpo y una silla. Durante el proceso de investigación, comencé a experimentar con movimientos de caída y con la pérdida de fuerza muscular. Este último ejercicio lo desarrollé aplicando materiales y elementos de la técnica de Lecoq, con el objetivo de acercar mi cuerpo a una realidad en la que pudiera experimentar cómo se comportaría una estructura corporal sin músculos ni huesos.
Durante el entrenamiento surgió la idea de crear un personaje: «el profesor». A medida que avanzaban la exploración y los ensayos, fueron apareciendo otros elementos que se incorporaron a la narrativa escénica, como los movimientos acrobáticos, el slapstick (comedia física), la animación de objetos y los títeres corporales.
Este trabajo se presentó ante un público de 20 personas, cuya respuesta fue extraordinariamente positiva. A raíz de esta acogida, el siguiente paso consiste en profundizar en la figura del profesor como payaso (clown) y explorar la relación entre profesor y alumno dentro del aula. El objetivo es crear un espectáculo familiar de 45 minutos en el que el personaje vaya definiendo su identidad a través de la interacción entre el público, la historia y el propio personaje. El espectáculo estará dirigido por el gran Hernán Gené.
La historia está llena de matices, con detalles tanto sutiles como directos que exploran y cuestionan la figura del profesor, el sistema educativo y la relación entre la educación y la sociedad. También aborda los vínculos actuales entre el aula como espacio, el profesor y el alumno, utilizando el diálogo directo con el público y un cuento tradicional como recursos narrativos.
El espectáculo está pensado para festivales de teatro de calle, campos de refugiados, alumnado de educación primaria y secundaria (Key Stages 1, 2, 3 y 4 del sistema educativo británico) y público familiar.
NAMELESS
Deshumanización será un espectáculo unipersonal de teatro físico que abordará las consecuencias físicas, psicológicas, individuales y sociales del acto de deshumanizar y de ser deshumanizado.
Se trata de un viaje de investigación y reflexión en torno a aquello que entendemos por humanización y deshumanización.
¿Dónde se encuentra la línea que lleva a una persona a pasar de ser humana a deshumanizar a otra? ¿Cuál es el espectro social que separa a quienes son deshumanizados de quienes deshumanizan? ¿Podemos deshumanizar y ser deshumanizados al mismo tiempo? ¿Es el acto de deshumanizar a alguien una consecuencia de haber sido previamente deshumanizado? Y, si es así, ¿hasta qué punto deben asumir responsabilidades la sociedad y los responsables políticos cuando las personas no están protegidas frente a la deshumanización y, como consecuencia, terminan deshumanizando a los demás?
¿Cómo podemos romper este círculo? ¿Cómo podemos llegar a la raíz del problema para reducir tanto la experiencia de ser deshumanizado como la tendencia a deshumanizar a otros?
Por este motivo, el espectáculo también propone una reflexión sobre el origen y las consecuencias de los prejuicios, la falta de aceptación, empatía y compasión. Atraviesa las distintas realidades de los sectores sociales más desfavorecidos y busca comprender hasta qué punto la ideología, la cultura, la educación, la situación económica y la salud mental pueden influir en el aumento o la disminución de la tendencia a deshumanizar o a ser deshumanizado.
Tras haber trabajado en el centro penitenciario para jóvenes infractores HMP/YOI Cookham Wood, en Rochester, pude experimentar hasta qué punto la arquitectura condiciona el comportamiento humano, el movimiento y el uso de la voz.
Las prisiones albergan realidades únicas, determinadas por sus propios códigos, normas, dimensiones, formas, tiempos, olores, iluminación y diferencias raciales y culturales.
Muchos de los internos proceden de familias desestructuradas, presentan problemas de salud mental o pertenecen a contextos culturales diversos, como comunidades itinerantes o poblaciones refugiadas. Otros han tenido un acceso limitado a la educación o han vivido situaciones de vulnerabilidad y exclusión social. La lista de posibles desventajas es prácticamente interminable y refleja una realidad fundamental: antes de deshumanizar a otros, muchos de ellos ya habían sido deshumanizados.
Es de vital importancia hablar de esta cuestión, ya que la deshumanización es uno de los factores que mantienen a nuestro mundo en un estado de conflicto constante.
Hablar de ello nos permite comprender, investigar y explorar nuevas formas de abordar el problema desde su raíz, buscando maneras de mejorar nuestra convivencia y aprender a coexistir desde nuestras diferencias, sin atacarnos unos a otros, sino desde la aceptación mutua.
Este proyecto se encuentra actualmente en proceso de investigación y creación.
La pieza toma como referencia la obra El señor Presidente, de Miguel Ángel Asturias, y recurre también a historias reales, como la de Olga Hepnarová, quien declaró:
«Soy una solitaria. Un ser destruido. Un ser destruido por los demás. Soy víctima de vuestra bestialidad».
PROJECTIONS
Asfixia es una pieza de teatro físico y textual que forma parte de un proyecto dividido en dos partes.
La primera consiste en un taller dirigido a jóvenes que atraviesan situaciones de baja autoestima y problemas de salud mental, en el que se utilizan el teatro, la arquitectura y el movimiento como herramientas de exploración y expresión.
La segunda parte es el espectáculo Asfixia, una propuesta escénica que refleja las consecuencias físicas y emocionales de vivir con trastornos de salud mental y baja autoestima.
La interconexión entre el taller y la obra escénica representa la idea de un espejo. El taller ofrece a los participantes un espacio para expresarse libremente, culminando en una muestra final del trabajo que ellos mismos elijan presentar. Posteriormente, tendrán la oportunidad de asistir a un espectáculo que aborda precisamente las experiencias, emociones y cuestiones que han explorado durante el taller.
El espectáculo está igualmente dirigido a todo tipo de públicos interesados en la salud mental y el teatro físico.
La obra encarna y materializa tanto el dolor físico y emocional como la alegría que experimentamos los seres humanos a lo largo de nuestras vidas.
A través de una especie de ecuación matemática, muestra cómo los diferentes factores que condicionan nuestra existencia —neurológicos, físicos, sociales, económicos, geográficos, culturales, políticos, de género, raciales y religiosos, entre otros— interactúan entre sí y cómo su presencia o ausencia influye en nuestras trayectorias vitales y en las decisiones que tomamos.
Por ello, nadie debería ser culpabilizado ni menospreciado por partir de unas circunstancias diferentes. Al contrario, todas las personas deberían disfrutar de los mismos derechos y oportunidades, independientemente de su punto de partida.
El espectáculo también plantea que padecer un trastorno de salud mental no es una elección, sino que puede ser consecuencia de las circunstancias y experiencias de la vida, de cómo estas afectan a las diferentes dimensiones de nuestra existencia y de cómo nuestra inteligencia emocional interviene en la manera de gestionar dichas experiencias.
Es, asimismo, una reflexión sobre los sentimientos y sobre cómo los seres humanos los experimentamos, expresamos y gestionamos.
Asfixia es una creación multidisciplinar que combina música en directo, movimiento, texto, medios audiovisuales, arquitectura e instalaciones artísticas.
La obra desarrolla una narrativa escénica de gran fuerza expresiva mediante el uso de títeres, máscaras y experiencias sensoriales que materializan el tacto y los sentidos a través de instalaciones sonoras. Incorpora también propuestas visuales basadas en el arte abstracto, obras artísticas originales y videoinstalaciones.
La dramaturgia recorre diferentes ámbitos, contextos y realidades relacionados con los trastornos de salud mental, mostrando experiencias procedentes de diversos entornos sociales y culturales.
El espectáculo se plantea también como un juego con el inconsciente, explorando los estímulos de la mente a través de la arquitectura, los sentidos, los arquetipos, el movimiento y la música, mediante un lenguaje esencialmente sensorial.
Las diferentes formas de expresión y comunicación también tendrán un papel fundamental en la propuesta escénica: el silencio, la palabra, la poesía, el sonido, el multilingüismo y la literatura.
Para ello, se recurrirá a obras de la literatura en lengua española, como los poemas de María Castrejón, y de la literatura en lengua inglesa, como los textos poéticos de T. S. Eliot, así como a testimonios e historias reales.
El objetivo es que el público no se limite a observar, sino que experimente la obra y tenga la oportunidad de ponerse en la piel del otro: acercarse a sus pensamientos, sentimientos, experiencias y circunstancias personales.
Cuando somos capaces de experimentar, aunque sea de manera simbólica, el cuerpo y la mente de otra persona, ampliamos nuestra capacidad de empatizar con sus vivencias físicas y emocionales.
Esta experiencia puede favorecer una comprensión más profunda de lo que implica vivir con problemas de salud mental, fomentando el respeto hacia los comportamientos, emociones y sentimientos de los demás.
De esta manera, se busca reducir el rechazo, los prejuicios y las ideas equivocadas acerca de las experiencias emocionales de otras personas, contribuyendo a prevenir situaciones de aislamiento social.
Fomentar esta actitud puede generar comportamientos más positivos y ayudar a romper el silencio que todavía existe en torno a la expresión de los sentimientos y las dificultades emocionales.
Sentirse valorado, comprendido y aceptado puede contribuir a disminuir las situaciones de agresión física o emocional y favorecer procesos positivos de recuperación y bienestar.
El objetivo último del proyecto es contribuir a transformar las actitudes y los comportamientos sociales mediante una mayor comprensión de las consecuencias de los trastornos de salud mental.
Asimismo, pretende promover un diálogo político constructivo entre diferentes ideologías, favoreciendo la colaboración hacia objetivos comunes, el incremento de los recursos económicos destinados a la salud mental y la integración social de personas y comunidades que viven en situaciones de vulnerabilidad o desestructuración.
EXPLORING
EXPERIMENTANDO
Vuela el Nido entre los caídos y resucitados
Trabajo realizado explorando la extensión de la columna, las curvas, la dinámica, la flexibilidad y la aplicación de elementos externos que podrían intensificar la experiencia del movimiento de la columna y la experiencia entre la columna y las otras partes del cuerpo.
Los elementos aplicados en esta exploración son el agua, la dinámica de objetos circulares y cualquier movimiento circular que provenga de la naturaleza como serpientes u olas.
También se ha explorado algunas técnicas de movimiento provenientes de maestros como Grotowsky y Laban, así como el juego con gestos utilizando todas las partes del cuerpo y de forma aislada.
Encarnando la Resonancia de el Alma
Pieza de movimiento ideada durante la residencia en Instituto Laban. La pieza exploró el tema del alma y la ecología en los edificios medievales que guardan tanta historia en sus paredes y dan forma a su alma. La pieza exploró el alma oculta y las narrativas que la arquitectura antigua mantiene en su espacio a través de la Técnica Laban. Además de la exploración, el director Nan Yaniz, solicitó incorporar el resultado en una canción específica.
La obra fue presentada en el Cambridge Ideas Festival dirigido por Nan Yaniz.
El niño
Pieza de movimiento y texto basada en la exploración de las diferentes etapas del desarrollo infantil. La pieza fue ideada siguiendo la práctica creativa de Dangerosity y los resultados de una fuerte técnica de improvisación de movimiento explorada durante la residencia de David Glass y Matej Matejka. El trabajo también incorporó un cuestionario formulado a los niños con la pregunta "¿Qué crees que hace un adulto?" Algunas respuestas se incorporaron en la pieza. El trabajo se presentó en el Soho bar Theatre de Londres bajo la producción de Dangerosity.
Exhale
Pieza de movimiento que explora oxygeno, respiracion, emocion, acion en conexion con mente agonica a traves de materiales, movimiento y voz.
